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Campanadas a Medianoche - Chimes at Midnight - Falstaff

2009-07-05T09:53:00.000-07:00

Títulos: Campanadas a Medianoche - Chimes at Midnight - Falstaff

Año: 1965
Duración: 119 minutos.
País de Producción: España/Suiza (realmente en el productor creó una productora fantasma en Suiza para alegar co-producción y que pudieran trabajar en España actores y técnicos extranjeros).
Productor: Emiliano Piedra, Angel Escolano.
Producción: International Films Española (Madrid), Alpine Film Productions (Basilea).
Guión: Orson Welles según Ricardo II, Enrique IV, Enrique V, Las alegres comadres de Windsor de William Shakespeare y The chronicles of England de Raphael Holinshed. Fotografía: Edmond Richard.
Música: Alberto Lavagnino.
Dirección artística: José Antonio de la Guerra.
Montaje: Fritz Mueller, Elena Jaumandreu.
Idioma: Inglés con subtítulos en castellano.
Intérpretes: Orson Welles (Falstaff), Keith Baxter (Principe Hal), John Gielgud (Enrique IV), Jeanne Moreau (Doll Tearsheet), Margaret Rutherford (Mistress Quickly), Norman Rodway (Henry Percy), Marina Vlady (Kate Percy), Alan Webb (Justice Shallow), Walter Chiari (Silence), Michael Aldridge (Pistol), Tony Beckly (Poins), (Worcester), Fernando ReyAndrew Faulds (Westmoreland), José Nieto (Northumberland), Jeremy Rowe (Príncipe John), Beatrice Welles (paje de Falstaff).

Antes de que su carrera se convirtiese, salvo pocas y poco conocidas excepciones, en una colección de frustraciones y piezas inacabadas, Welles tuvo la oportunidad de llevar a cabo uno de sus sueños, en la que constituyó su última película realizada en blanco y negro (sin que se eche en falta el color), y una de las últimas obras que pudo concluir hasta su fallecimiento en 1985. Campanadas a medianoche surge gracias a la decisión y la valentía del productor español Emiliano Piedra, quien, ilusionado con la posibilidad de trabajar con una leyenda del cine (Welles lo fue desde su primera obra), no dudó en llevar a término la producción de la película (modesta, pero eficaz), a sabiendas de que no reportaría muchos beneficios. De hecho, la idea de Piedra y de Welles era realizar una posterior versión de "La Isla del Tesoro", con la que el productor recuperaría la inversión de Campanadas a medianoche. Sin embargo, del proyecto de adaptar a Stevenson sólo llegarían a filmarse unas pocas imágenes, muy atractivas, por cierto (2). A pesar de todo, la colaboración entre Piedra y Welles no pudo ser más fructífera artísticamente, y dio lugar a una de las mejores películas de producción española (hispano-suiza, según mis datos) de la historia del cine.

Rodado enteramente en nuestro país, el filme despliega lo mejor del talento de su realizador, con su brío y dinamismo habituales, para adaptar varias obras de Shakespeare (que Welles ya había fusionado ¡en 1939!), con el personaje de Falstaff como eje principal de todas ellas. Falstaff, interpretado por el propio director en uno de sus mejores papeles, es un tipo orondo y bebedor, propenso a las exageraciones y a los chistes, y amante de la diversión por encima de todo (según Welles, uno de los personajes más merecedores de ser considerado "un hombre bueno"). Su amistad con el Príncipe Hal (Keith Baxter) es mostrada a través de los juegos y bromas que ambos comparten durante la primera parte del film (3), y cuyas profundidad y espontaneidad se verán traicionadas cuando Hal sea coronado como el Rey Enrique V, tras la muerte de su progenitor (Enrique IV, a quien da vida el gran John Gielgud), en una de las secuencias más emocionantes y dramáticas de la filmografía de su director. Este tema, el de la amistad (o la inocencia) traicionada, es recurrente en Welles desde Ciudadano Kane (recuérdese la relación entre Kane y su amigo Leland), y también está presente en la vida del realizador, que ve cómo sus ansias creativas son dinamitadas una y otra vez en la práctica por una industria cada vez menos proclive a la defensa de los valores artísticos.

La puesta en escena de Welles en Campanadas a medianoche" es inmejorable, y posee una fuerza visual gloriosa, fluyendo las secuencias con una armonía comparable a la ya mostrada en El cuarto mandamiento (que, pese a los cortes, pese al boicot, y pese a su final, del que Welles abominaba, es un film de una belleza y brillantez indescriptibles). Estas películas son, al cabo, dos de las que el cineasta consideraba como más personales dentro de su carrera, y en las que más logrado parece el sentido musical de la planificación. Así, destacan en Campanadas a medianoche momentos tan sobresalientes como la secuencia del robo en el bosque, con preciosos travellings a través de la arboleda; la divertida "falsa coronación" en la taberna en la que Falstaff, cacerola en la cabeza, parodia al Rey; o, sobre todo, la Batalla de Shrewsbury, cuyo mítico rodaje tuvo lugar en la Casa de Campo de Madrid, y que la crítica estadounidense Pauline Kael llegó a calificar como la más brutal y sombría jamás filmada.

Fuentes de información: Extracto del artículo Traición a un hombre bueno, de Alejandro Díaz, para Miradas.net,
Otros enlaces de interés: Entrevista a Orson Welles, por Peter Bogdanovich, en El Cultural.

También puedes ver el video original en V.O. sin Subtítulos en Google Video.

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Juan Cobos habla sobre "Campanadas a Medianoche"
Emma Penella habla sobre "Campanadas a Medianoche"
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Tony Fuentes habla sobre "Campanadas a Medianoche"

El Diputado - Eloy de la Iglesia

2008-10-01T16:29:00.000-07:00

País: España
Año: 1978

Dirección: Eloy De La Iglesia
Fotografía : Antonio Cuevas
Guión: Eloy De La Iglesia, Gonzalo Goicoetexea

Roberto Orbea es un diputado de un partido de izquierdas en las primeras elecciones democráticas en la transición, que va a ser elegido secretario general de su partido al día siguiente, y nos narra su vida antes de que se desate un escándalo.

Nos cuenta como vivió su homosexualidad desde los 15 años, de forma furtiva y reprimida, mientras iniciaba su militancia política en sus tiempos de estudiante y posteriormente como abogado en la época franquista. Se casa con una compañera de partido, a la que no oculta sus pasados contactos homosexuales, creyendo que así se alejaría de una forma de vida que considera sórdida y marginal. Es detenido por su activismo político y encarcelado en el último periodo de la dictadura.

En la cárcel conoce a Nes, un chapero con el que mantiene relaciones sexuales mientras están en presidio y que cuando salen se dedicará a presentarle a otros jóvenes para citas sexuales clandestinas a cambio de dinero. Poco después Nes es reclutado por un grupo de ultraderecha que contrataba a delincuentes para provocar disturbios y amedrentar a la oposición de izquierdas con el objetivo de conseguir la involución.

Una vez elegido como diputado Orbea se destaca por encabezar una iniciativa parlamentaria para acabar con el terrorismo de todos los signos, lo que le pone en el punto de mira del grupo de ultraderecha. Urden un plan para arruinar su carrera por medio de Nes. Éste le presenta a un bello maleante menor de edad, Juanito, al que ofrecerán un millón de pesetas por seducir y facilitarles fotos comprometedoras con el diputado.

Roberto se enamora completamente de Juanito y establecen una relación duradera, lejos de los fugaces encuentros que ha llevado hasta entonces, y gracias a él empieza a asumir su condición sexual. Integra al muchacho totalmente en su vida, incluso se lo presenta a su mujer. Por su parte el chico también se encariña e identifica con el diputado y termina confesándole los planes de la organización fascista. Y juntos deciden seguirles el juego para atraparlos. Pero se produce un trágico desenlace cuando el grupo sospecha del joven y lo matan a tiros en el apartamento de Orbea, dejando allí el cadáver para comprometer al diputado.

Reparto:
- José Sacristán – El diputado Roberto Orbea.
- María Luisa San José - Carmen, la esposa del diputado.
- Ángel Pardo – Nes.
-José Luis Alonso - Juanito.
- Agustín González – Carrés, el jefe del grupo ultraderechista.
- Enrique Vivó – Sr. Moreno Pastrana, jefe el partido de Orbea.
- Queta Claver – madre de Juanito.

Info via: Wikipedia
Video via: Christie Books

El Pan nuestro de cada Día - Our Daily Bread

2008-06-25T07:17:00.000-07:00

Director: King Vidor
Año: 1934
País: U.S.A.
Idioma: Ingles con Subtitulos en castellano

Reparto: Karen Morley, Tom Keene, Barbara Pepper, Addison Richards, John Qualen, Lloyd Ingraham, Sidney Bracey, Henry Hall, Nellie V. Nichols, Frank Minor, Bud Ray, Harry Brown, Ed Biel

Durante la Depresión que azotó a Estados Unidos en los años 30, John y Mary, un matrimonio joven sin trabajo ni dinero, reciben la oferta de un pequeño terreno en una lejana granja del Medio Oeste. Ante las dificultades para su explotación deciden organizar una cooperativa agrícola junto a otras personas que provienen de distintos lugares. La situación es cada vez más complicada, las disensiones aumentan en el seno de la cooperativa, aparecen los acreedores del banco para cobrar una antigua hipoteca, la sequía se agudiza y John empieza a sentirse atraído por una chica de la comunidad, Sally.

7 Días de Enero

2008-06-25T06:58:00.000-07:00

Año: 1979
Duración: 128 min.
País: España
Dirección: Juan Antonio Bardem
Guión: Juan Antonio Bardem, Gregorio Morán
Musico: Nicolas Peyrac
Fotografía: Leopoldo Villaseñor
Reparto: Manuel Egea, Fernando Sánchez Polack, Virginia Mataix, José Manuel Cervino, Madeleine Robinson, Alberto Alonso
Producción: Goya Films / Les Films des deux mondes

La película funciona a modo de documental, relatando los días de enero anteriores y posteriores al atentado en Atocha y cuando, posteriormente, se realiza el juicio del grupo autoidentificado como Alianza Apostólica Anticomunista (Triple A).

Día 22 de enero, una familia burguesa vinculada al franquismo, celebra la boda de uno de sus miembros. Durante la fiesta, se escuchan las discusiones preocupadas de militares y miembros de la iglesia católica, con discursos de tinte fascista.

Mientras dos abogados, el matrimonio formado por Lola y Francisco Javier, entra en el portal de su despacho donde se encuentran con miembros de la policía, relacionados con la extrema derecha, atentos a la reunión de un grupo del sindicato de trabajadores para continuar o no con una huelga. Poco después Lola recibe una llamada amenazante dirigida a Joaquin Navarro, la cabeza visible de los trabajadores en la huelga.

Día 23 de enero, en las calles de Madrid, utilizando algunas imágenes de archivo, hay una manifestación pro-amnistía de presos políticos mientras se celebra un entierro de Luis Pardo, acompañado de falangistas. Durante una carga policial, un estudiante cae abatido, Arturo Ruiz.

En un bar se reúnen los tres policías anteriores, con jóvenes militantes de extrema derecha, para luchar contra la izquierda y sus continuas manifestaciones.

Día 24 de enero, a grito de libertad, libertad.. se disuelve una huelga en una asamblea de trabajadores por un acuerdo con las patronales, con provocaciones de grupos de extrema derecha, cada vez más indignada, entre los que se encontraba Luis María.

En una manifestación por la muerte de Arturo Ruiz muerto el día antes muere una estudiante universitaria, Maria Luz Najera de 21 años, alcanzada por un bote de humo de la policía antidisturbios. En el mismo día el grupo maoísta GRAPO, secuestra al Teniente General Villaescusa.

En una conversación entre Luis María y su madre y luego en una reunión en su casa, se alienta y planifica el asesinato de los abogados de derecho laboral y de la figura de Joaquín Navarro. Finalmente Luis María y dos más armados, se dirigen al despacho situado en calle Atocha y esperan a que el último sindicalista salga, precisamente el último será Joaquín Navarro, e irrumpen en el piso acorralando a los abogados y a un administrativo contra la pared. Luis María se encarga de quedarse en las escaleras y vigilar que nadie interrumpa, mientras los otros dos disparan a los rehenes.

Día 25 de enero, después de lo ocurrido, en un hospital uno de los abogados supervivientes relata a la policía todo lo ocurrido e identifica a uno de ellos, ya que iban a cara descubierta.

Día 26 de enero, manifestación multitudinaria de más de 100.000 personas por el atentado, Luis María confiesa a su novia que ha cometido un servicio a España.

Se vuelve al 24 de enero, cuando Joaquín Navarro y otros compañeros habían bajado ya de la reunión en el despacho de abogados y se encontraban en un bar, al escuchar el ruido de sirenas de la polícia se encuentran con la matanza sucedida.

Día 7 de febrero, comienzan las declaraciones, compareciendo Joaquín Navarro, los abogados supervivientes..

Día 11 de febrero, se rescata al Teniente General Villaescusa, mientras la madre de Luis María y un amigo familiar ven la situación que se complica, el GRAPO y los patriotas de Atocha se están poniendo a la misma altura, como asesinos que están perdiendo apoyo público.

Día 14 de febrero, uno de los policías habla a Luis María y otros relacionados con la matanza para que dejen el país hasta que la situación se pueda normalizar.

En marzo, después de estar escondido Luis María en un chalet en la sierra, se va a un restaurante en Murcia invitado por militares para homenajearlo, pero se percata de que está siendo vigilado por la policía.

Día 12 de marzo finalmente es detenido junto al resto de miembros que habían colaborado, e intentan organizarse para mostrar una coartada común en el juicio.

Día 23 de marzo, comienza el juicio con la declaración de los imputados.

Día 23 de octubre, los abogados supervivientes asisten a una rueda de reconocimiento donde se les identifica como los responsables. La película termina con imágenes reales del entierro multitudinario de los abogados.

Info via: Wikipedia
Video: Christie Books

Juguetes Rotos - Manuel Summers

2008-06-25T06:24:00.000-07:00

Género: Drama

Nacionalidad: España

Director: Manuel Summers

Actores:
Ricardo Alís Francisco Díaz Guillermo Gorostiza Eusebio Librero Eduardo López Hilario Martínez Justo Masó Rosita Pinedo Marina Torres Paulino Uzcudum Luis Vallespín Nicanor Villalta

Guión: Tico Medina

Fotografía: Luis Cuadrado, Francisco Fraile

Música: Carmelo A. Bernaola

Duración: 76 minutos.

Sinopsis:
Summers coloca ante su cámara a varios personajes muy populares en otras épocas, completamente olvidados en su vejez: un torero, Nicanor Villata; un levantador de pesas, Guillermo Gorostiza y un animador, El Gran Gilbert, entre otros. Mostrarán la realidad del abandono y la decadencia del olvido.

Ensayo de un crimen - Luis Buñuel -1955

2008-02-04T05:40:00.000-08:00

Titulo Original: Ensayo de un crimen (La vida criminal de Archibaldo de la Cruz)
Año: 1955
Duración: 91 min.
País: México
Dirección: Luis Buñuel
Guión: Luis Buñuel & Eduardo Ugarte (Novela: Rodolfo Usigli)
Música: Jorge Pérez H.
Fotografía: Agustín Jiménez (B&W)
Reparto: Ernesto Alonso, Miroslava, Ariadne Welter, Rita Macedo, José María Linares Rivas, Andrea Palma
Productora: Alianza Cinematográfica

Archibaldo de la Cruz ha visto en su infancia morir a institutriz, alcanzada por una bala perdida, mientras él se escondía en el ropero de su madre. Ya adulto, la muerte de varias mujeres cercanas a él hacen que Archibaldo crea que es un asesino. Su único razonamiento es que él deseó todas esas muertes y que las mujeres terminaron siendo asesinadas. Interrogado por un juez, Archibaldo devela su vida y las razones por las que piensa que debe ser juzgado. Desde su particular punto de vista, él es el verdadero culpable de todos esos crímenes. (Filmaffinity)

"Relato heterodoxo e inclasificable, repleto de ironía pero también de desasosiego (...) trangresor y sarcástico, surrealista y cómico, terrible y llano. Espléndido." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País).

Info: FilmAffinity
Video y ver a pantalla completa: ChristieBooks
Versión original con subtítulos en ingles.:

El - Luis Buñuel -1952

2008-02-04T05:23:00.000-08:00

Dirección: Luis Buñuel
Productor: Óscar Dancigers
Guión: Luis Buñuel y Luis Alcoriza, sobre la novela homónima de Mercedes Pinto
Fotografía: Gabriel Figueroa
Música: Luis Hernández Bretón
Interpretes: Arturo de Córdova, Delia Garcés, Aurora Walker, Carlos Martínez Baena, Manuel Dondé, Rafael Banquells, Fernando Casanova, José Pidal, Roberto Meyer, Luis Beristáin

Francisco Galván de Montemayor, un hombre adinerado de apariencia tranquila, conservador, religioso y virgen, como cada Jueves Santo asiste a la ceremonia del mandatum, el lavatorio de pies que el sacerdote efectúa con singular delectación. Al ver los sensuales pies de una joven sentada en primera fila se queda prendado de su serena belleza. Francisco logra averiguar que la mujer de sus sueños se llama Gloria y va a contraer matrimonio con un viejo amigo suyo. Tras invitarlos a una fiesta en su mansión, conquista a Gloria y se casa con ella. A partir de la misma noche de bodas, los celos lo transforman en un ser obsesivo y paranoico, que sólo ve el asesinato y la mutilación como una solución a su locura.

El retrato surrealista de un acomodado y devoto hombre de mediana edad, camino de la locura por sus celos patológicos y sus aficiones enfermizas por los rituales religiosos, fue unánimemente aclamado por la crítica, que alabó la irónica dramatización con que Buñuel muestra los efectos de las obsesiones sobre el matrimonio y la sexualidad.

De la represión a la obsesión

El propio Luis Buñuel confesó que Él era una de sus obras preferidas, una película considerada como la mejor de las que filmó en México y que figura entre las diez mejores películas mexicanas de todos los tiempos. Basado en una novela de tintes autobiográficos escrita por Mercedes Pinto, madre de los actores Gustavo y Rubén Rojo, Él permanece como un retrato magistral de una paranoia que fue elogiado por el mismísimo François Truffaut.

Info via: Protocolo Zero
Video via (ver a pantalla completa): ChristieBooks
En versión original en castellano con subtítulos en ingles.

Matrimonio a la italiana

2008-01-05T14:04:00.000-08:00

TITULO ORIGINAL Matrimonio all'italiana
AÑO: 1963
DURACIÓN: 95 min.
PAÍS Italia
DIRECTOR Vittorio de Sica
GUIÓN Renato Castellani, Antonio Guerra, Leo Benvenuti, Piero de Bernardi (Teatro: Eduardo De Filippo)
MÚSICA Armando Trovajoli (AKA Armando Trovaioli)
FOTOGRAFÍA Roberto Gerardi
REPARTO Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Marilú Toló, Aldo Puglisi
PRODUCTORA Coproducción Italia-Francia

Nápoles, durante la Segunda Guerra Mundial. Una bella joven llamada Filomena Maturano, que está sola en el mundo, trabaja en una casa de prostitución, ya que no encuentra otra manera de ganarse la vida. Allí es donde conoce a Doménico Soriano, más conocido como Don Mimi, un acomodado burgués. Éste la retira de la profesión y la lleva a vivir a su casa.

Uno de los mayores éxitos a escala internacional de la comedia italiana. Nominada al Oscar a la mejor Película Extranjera.

Comedia frente a drama, Sophia frente a Marcello, el egoísmo de un hombre frente a la abnegación de una madre, varios duelos colosales entregan esta interesantísima historia que poco a poco engancha al espectador por su realismo, veracidad y capacidad para transmitir sentimientos universales. Por encima de todo; ella. La actriz italiana, que un par de años antes ya se había llevado el Oscar por "Dos mujeres", vuelve a emocionar con la interpretación de un antigua prostituta dispuesta a todo por la respetabilidad.

Info via: FilmAffinity
Video via: AdnStream

Adios a las armas

2008-01-05T13:28:00.000-08:00

TITULO ORIGINAL A Farewell to Arms
AÑO
1932
DURACIÓN 78 min.
PAÍS Estados Unidos
DIRECTOR Frank Borzage
GUIÓN Benjamin Glazer & Oliver H.P. Garrett (Novela: Ernest Hemingway)
MÚSICA Ralph Rainger
FOTOGRAFÍA Charles Lang (B&W)
REPARTO Gary Cooper, Helen Hayes, Adolphe Menjou, Mary Philips, Jack LaRue, Henry Armetta
PRODUCTORA Paramount Pictures

Durante la Primera Guerra Mundial, el teniente Frederick, un americano del cuerpo de ambulancias italiano, y Catherine, una enfermera británica, se convierten en infortunados amantes. El primer encuentro se produce después de haber tomado Henry unas cuantas copas, y toma a Catherine por una prostituta. Cuando el capitán Rinaldi, amigo de Henry pero también su superior, los presenta formalmente, se ríen de aquel primer encuentro, pero también resulta evidente que Rinaldi se siente atraído por Catherine. Para frustrar su incipiente romance con Henry, Rinaldi lo traslada, pero cuando más tarde éste cae herido, se siente culpable y se asegura que esté bajo el cuidado de Catherine durante su convalecencia.

Info via: FilmAffinity
Video via: Adsnstream

A tiro limpio

2007-12-23T07:06:00.000-08:00

Año: 1963
Duración: 85 min.
País: España
Género: Cine Negro
Formato: Color
Reparto: Jose Suarez, Luis Peña, Maria Asquerino, Carlos Otero
Dirección: Francisco Perez-Dolz
Fotografía: Francisco Marin
Guión: Miguel Cusso
Música: F. Martinez Tudo

Sinópsis:

Martín y Antoine, que han organizado una banda de atracadores, se ponen en contacto con Román para que les consiga armas y un cuarto hombre. Román convence a Picas, un antiguo atracador que ahora se dedica al trabajo en una masía que tiene alquilada.

Video via: ChristieBooks
Info Via: Todo Cine

Ver en la pagina de origen: Aquí

La Burla del Diablo - Beat The Devil

2007-12-22T15:04:00.000-08:00

Interpretes: Humphrey Bogart, Jennifer Jones, Gina Lollobrigida, Peter Lorre
Año: 1954
Genero:Aventura, Comedia
Formato: B&N
Nacionalidad: UK
Director: John Huston.

Escrita por Truman Capote, un grupo heterogéneo de viajeros parten en barco a África para comprar unas tierras con Uranio

Cockfighter

2007-12-22T14:57:00.000-08:00

Reparto: Richard Shull, Harry Stanton, Warren Oates, Millie Perkins
Director: Monte Hellman
Director de Fotografía: Néstor Almendros.
Duración: 01:23:00
Género: Drama
País: EE.UU.
Año: 1974

Frank es un hombre al que le apasionan las peleas de gallos, con sus animales recorre el sur de los Estados Unidos para participar en las luchas que se organizan. Es un mundo duro en el que muchos hombres preparan sus gallos para matar y otros buscan conseguir el honor perdido.

Video via: CinemaniaTV

El Proceso - The Trial

2007-12-22T14:45:00.000-08:00

Nacionalidad: Francia/Alemania/ Italia
Año:1963,
Duración: 118 min.
Idioma: Inglés,
Formato: Blanco y Negro
Dirección: Orson Welles
Guíon: Orson Welles
Fotografía: Edmond Richard
Edición: Yvonne Martin, Frederick Muller, Orson Welles
Sonido: Jacques Lebreton: Guy Villete
Música: Jean Ledrut, Tomaso Albinoni
Maquillaje: Luis Dor
Protagonistas
Anthony Perkins
Orson Welles
Romy Schneider
Producción: Robert Florat,Michael Salkind

Hitchcock solía decir que la mayoría de las películas eran realmenta acerca de un mismo tema, un hombre inocente acusado por error.

El público de hoy no tiene paciencia para seguir a un hombre cuando lucha contra la persecución; actualmente las películas tratan acerca del hombre inocente explotado y olvidado inmediatamente. Cuando realmente el tema encuentra nueva vida, como en "El Fugitivo," se traduce en la acción, y el héroe paga la película con su destreza sobre cómo eludir su captura, en lugar de luchar contra la injusticia de la sociedad. Demasiado malo (aunque "El Fugitivo" es una película espléndida), porque todos nosotros tenemos profundas sensaciones de culpa, y a menudo nuestros sueños están plagados de crímenes que nunca cometimos. En estas pesadillas nosotros intentamos defendernos, explicar, pero las autoridades nos ignoran. Tales situaciones son tan temidas y frustrantes que yo me pregunto cómo alguna vez Hollywood tuvo la idea de que era más atemorizante disparar a personas, o explotarlas lo cual deviene en una simple descarga de tensiones.

La novela de Franz Kafka "El Proceso" es una de las mejores historias jamas escritas sobre el Hombre Inocente, y aún mejor porque tiene sentido que Josef K., su héroe, sospeche en secreto que debe haber hecho algo malo para merecer tal tratamiento de las autoridades. Josef es despertado una mañana por su casera quien le informa que unos hombres quieren verlo.Ella revela por su forma de decirlo que ya lo cosidera culpable; cualquiera que reciba tan extrañas visitas tan temprano en la mañana probablemente sea muy poco digno de fiar. La policía ha venido a informar a Josef sobre los cargos contra él - cargos que nunca le son informados , aunque Josef pasa el resto del historia intentando averiguar lo que él ha hecho según se alega.

¿Leen las personas a Kafka? Yo estoy pensando en lectores reales, gente que ama el olor y siente el placer por un libro, no estudiantes haciendo una tarea obligada. Es irónico que esta nueva película de "El Proceso" probablemente significará, para la mayoría de sus espectadores, una experiencia completamente nueva. Ellos no habrán leído el libro, ni siquiera la mayoría de ellos ha visto la gran versión de Orson Welles de 1963.

Mala señal, porque esta película, dirigida por David Jones con guión adaptado por Harold Pinter, carece del enojo y el miedo de la historia de Kafka y la versión Welles. Josef K., en la primera version , fué tan vilipendiado en su esencia que no podía ser tratado de otra manera. En verdad, él pudiera ser en secreto culpable de algo (¿quién no lo es?) pero si el estado no le asigna un nombre, entonces esto debería mandarlo al infierno de por vida.

Kafka escribió en los primeros años de este siglo. Welles fue formado por ellos. Hoy nosotros hemos asimilado la noción de un estado poderoso; inclusive la mayoría de nosotros se asusta ante la idea de ser detenido por un policía de tráfico. Todavía creemos, ingenuamente, que si nosotros seguimos las reglas todo esta en orden. Eso parece ser la creencia de Josef en esta versión de "El Proceso"; Kyle MacLachlan asume el rol de un hombre recto, reservado, lógico que continúa intentando defenderse pacientemente.

Info via: Aquí
Video Via: CinemaniaTV

SIN NADA QUE PERDER (out of the blue)

2007-12-22T14:40:00.000-08:00

Interpretes: Dennis Hopper, Linda Manz, Raymond Burr, Sharon Farrell, Don Gordon
Año: 1981
Genero: Drama
Formato: Color
Pais: Canada /USA
Director: Dennis Hopper

Don Barnes sale de la cárcel por haber chocado un bus escolar borracho matando e hiriendo a docenas de niños.

Video via: CinemaniaTV

Charada

2007-12-22T14:35:00.000-08:00

TITULO ORIGINAL Charade
AÑO
1963
DURACIÓN
114 min. Sugerir trailer/vídeo
PAÍS Estados Unidos
DIRECTOR Stanley Donen
GUIÓN Peter Stone
MÚSICA Henry Mancini
FOTOGRAFÍA Charles Lang Jr.
REPARTO Cary Grant, Audrey Hepburn, Walter Matthau, James Coburn, George Kennedy, Ned Glass
PRODUCTORA Universal Pictures
GÉNERO Comedia. Intriga

SINOPSIS: Una mujer vuelve de una pequeñas vacaciones en una estación de esquí dispuesta a pedir el divorcio a su marido, pero cuando llega a París se encuentra con que éste ha sido asesinado. Las sospechas, según la embajada americana, recaen en 3 hombres que buscan un dinero que aparentemente tenía su esposo, pero que en realidad pertenece al gobierno de los Estados Unidos.

Video via: CinemaniaTV
Info via: FilmAffinity

El angel azul (1930) de Josef Von Sternberg

2007-12-22T13:55:00.000-08:00

Director: Josef Von Sternberg
Intérpretes: Emil Jannings, Marlene Dietrich, Kurt Gerron, Rosa Valetti.

El profesor Inmanuel Rath (Emil Jannings) es un severo profesor de literatura que reprende a sus alumnos por poseer postales de una bella cantante llamada Lola Lola (Marlene Dietrich), que actúa en un club de cabaret denominado "El ángel azul".
Una noche acude al local para regañar a sus pupilos. Tras conocer a Lola Lola, él también quedará prendado de sus encantos.

Sombrío retrato psicológico de un hombre autoritario y reservado que deviene en un ser sumiso y humillado por la obsesión amorosa y la atracción sexual, hasta convertirse en un payaso abatido y ultrajado, como así lo fue su predecesor sentimental, pudiendo advertirlo a lo largo del film con las apariciones del primer payaso.

El tratamiento atmosférico del film, siempre un aspecto sobresaliente en los trabajos de Josef Von Sternberg, con especial incidencia en los aspectos lumínicos (con huellas del expresionismo) expositores del nocturno ambiente y el desarrollo de sus personajes, la elaboración minuciosa y reflexiva de cada escena, junto al magnífico empleo del sonido, siendo una de las primeras películas sonoras de la filmografía germana, el estudio del caracter central en su confrontación clasista y descenso hasta la autodestrucción, y la sugerente intervención de Marlene Dietrich, convierten a esta película en una de las más importantes en la carrera de sus protagonistas, en especial de la actriz alemana, que lograría alcanzar el estatus de estrella internacional con este título que daba inicio a su histórica colaboración cinematográfica y personal con Von Sternberg.

Entre sus defectos, la celeridad en el desarrollo y motivación de las acciones sentimentales, en contraposición con su pausado ritmo, lo que puede impedir la conexión emocional con el asunto, al margen de la excelente definición de la situación moral del personaje central, enaltecido por la interpretación del soberbio Emil Jannings.
La película está basada en "El Profesor Unrat", una novela escrita por Heinrich Mann, hermano del también literato Thomas Mann.

Sin Subtitulos

Madrid

2007-12-21T07:24:00.000-08:00

Año: 1987
Duración: 114'
Guión y Dirección: Basilio Martín Patino
Producción: José Luis García Sánchez
Fotografía: Augusto G. Fernández Balbuena
Música: Carmelo Bernaola
Intérpretes:Rüdiger Vogler, Verónica Forqué, Maria Luisa Ponte, Luis Ciges, Ana Duato.

Hans, un realizador alemán, se encuentra en Madrid para hacer un programa de televisión sobre la capital y la guerra civil, al cumplirse el cincuentenario de ésta. Acompañado por Lucía, responsable del montaje, y por Goyo, su operador, recorre y graba imágenes de la ciudad actual, dispuesto a descubrir sus espacios y sus gentes relacionados con el pasado. Al mismo tiempo, revisa y monta los materiales de archivo sobre la época. En su búsqueda Hans duda y se interroga acerca del sentido y la naturaleza de su trabajo, con cuyos productores disiente, hasta acabar sustituido en una realización que comenzaba a apasionarle. Pero ha tomado partido por la libertad.

Info via: Basilio Martin Patino
Video via: ChristieBooks

Persona - Ingmar Bergman

2007-08-23T05:50:00.000-07:00

Título Original: Persona
Año: 1966.
País: Suecia
Dirección: Ingmar Bergman
Intérpretes: Gunnar Björnstrand, Bibi Andersson, Liv Ullmann, Jörgen Lindström, Margaretha Krook
Duración: 1 hora 25 minutos

Info via: Cine Linkara
Video Via: CinemaniaTV

El Quimerico Inquilino - Roman Polanski

2007-08-23T05:43:00.000-07:00

TITULO ORIGINAL Le locataire
AÑO 1976
DURACIÓN 126 min.
PAÍS Francia
DIRECTOR Roman Polanski
GUIÓN Roman Polanski & Gérard Brach (Novela: Roland Topor)
MÚSICA Philippe Sarde
FOTOGRAFÍA Sven Nykvist
REPARTO Isabelle Adjani, Roman Polanski, Shelley Winters, Melvyn Douglas, Jo Van Fleet, Bernard Fresson, Lila Kedrova, Claude Dauphin
PRODUCTORA Marianne Productions
Terror / SINOPSIS: El dependiente Trelkovsky (Roman Polansky) ocupa un apartamento en París en el que había vivido una mujer que se ha suicidado.

Info y Video via: Kinema Dissortis

Los siete samuráis - Akira Kurosawa

2007-07-29T17:01:00.000-07:00

Título Los siete samuráis
Ficha técnica
Dirección Akira Kurosawa
Producción Sojiro Motoki
Guión Shinobu Hashimoto, Akira Kurosawa, Hideo Oguni
Música Fumio Hayasaka
Fotografía Asakazu Nakai (blanco y negro)
Reparto Toshiro Mifune, Takashi Shimura
País(es) Japón
Año 1954
Género Drama, Acción
Duración 160 minutos

La acción transcurre en el Japón del siglo XVI. Los habitantes de un poblado de campesinos, hartos de ser periódicamente asaltados por una horda de bandidos, deciden hacer algo al respecto. El miembro más anciano del pueblo sugiere contratar samuráis para que los defiendan. Tras varios intentos fallidos de encontrar samuráis dispuestos a luchar tan solo a cambio de comida, encuentran a uno llamado Kanbei, que decide ayudarles. Gracias a Kanbei consiguen reunir a un grupo de siete, y parten hacia el pueblo.

Tras la cosecha, los samuráis entrenan a los campesinos para que luchen contra los bandidos, los cuales sufren algunas bajas en los primeros ataques al poblado. Los bandidos intentan diferentes estrategias, pero no consiguen derrotar a los campesinos, por lo que al final se lo juegan todo en un último ataque. Eventualmente, cuatro de los samuráis y algunos de los campesinos mueren también, pero al final los bandidos son masacrados y el poblado gana la batalla. Tras esto, los samuráis supervivientes abandonan el pueblo y vuelven a su anterior modo de vida.

La película de Akira Kurosawa ha tenido varias adaptaciones, algunas mejor recibidas de otras. La primera fue la película Los siete magníficos, rodada en 1960 y protagonizada por Yul Brynner, en la que la acción transcurría en en lejano oeste y los siete samuráis eran sustituidos por siete pistoleros.

Info: Wikipedia

El Bosque Animado

2007-05-26T09:30:00.000-07:00

Director: José Luis Cuerda.
Guión: Rafael Azcona.
Intérpretes: Alfredo Landa, Fernando Valverde, Miguel Rellán, Alejandra Grepi.
Fotografía: Javier Aguirresarobe.
Música: Jose Nieto.
País: España.
Año: 1987
Duración: 108 min.

El director José Luis Cuerda y el guionista Rafael Azcona ya habían visitado tierras galaicas antes de "La lengua de las mariposas" para recrear una historia basada en una novela del escritor Wenceslao Fernández Florez ambientada en un pequeño pueblo gallego y las diversas relaciones que se establecen dentro del microcosmos rural tomando al bosque como protagonista central.
El film, empero estimable, carece de la admirable definición cinematográfica de la película anteriormente citada.

Los diferentes personajes que aparecen como el enamorado pocero cojo, el jocoso bandido Feldetestas (¿qué sería de un frondoso bosque sin sus salteadores?), las ánimas errantes en pena, la muchacha harta de maltrabajar para su tía que decide irse a la ciudad, los niños movidos entre la picaresca y la laboriosidad, las solteronas urbanas que pretenden pasar unos días de relax en el campo, el cura, la guardia civil o el acaudalado y ocioso señor del pazo son algunos de los habitantes de un ámbito propicio para la magia y la leyenda, para la superstición y la brujería, aspectos que Cuerda no termina por entrelazar con la suficiente destreza mientras dibuja con cierta habilidad el retrato costumbrista y crítico de una microsociedad y una época enfocada desde un sentido sanamente humorístico.

Aunque con un claro desequilibrio, lo trágico y lo cómico se unen en un film coral aceptable que obtuvo un gran éxito, pero que no termina por culminar con magnificencia fílmica su glauco paseo por unas vidas de unos personajes entrañables llenos de anhelos y apetencias.
Alfredo Landa, Miguel Rellán o Fernando (Tito) Valverde destacan entre un amplio plantel de intérpretes hispanos como así también lo hace la partitura musical de José Nieto.

AlohaCriticon

Los Cuatro Cocos - Hnos Marx - 1929

2007-05-26T09:23:00.000-07:00

Director: Robert Florey y Joseph Santley
Intérpretes: Hermanos Marx, Kay Francis, Margaret Dumont, Mary Eaton.
Año: 1929
País: U.S.A.
Duración: 1h 27 min

En un hotel de Florida dirigido por Mr. Hammer (Groucho Marx) se trama el robo de una preciada joya propiedad de Mrs. Potter (Margaret Dumont), cuya hija Polly (Mary Eaton), desea casarse, en contra de los deseos de su madre, con el arquitecto Bob (Oscar Show).
Por su parte, Hammer intentará vender al mejor precio los solares de la Hacienda Los Cocos.

Primera y delirante aparición de los hermanos Marx en el cine sonoro (antes habían grabado un corto titulado "Humor Risk"), adaptando una obra musical escrita por George S. Kaufman e Irving Berling que ya habían representado con gran éxito en Broadway.

"Los cuatro cocos" es una de las más enajenadas y anárquicas películas de este sorprendente y admirado clan familiar, con perturbados diálogos entre Groucho y Chico (lo del viaducto es antológico) y con un hambriento Harpo comiéndose teléfonos y bebiendo tinta china en situaciones ambientadas en la soleada Florida, que se escapan a cualquier atisbo de cordura y razón.

La acción del título padece en algunos momentos de su naturaleza teatral, el aspecto técnico es bastante pobre y el argumento resulta formulario, pero el beneficio derivado del derroche de hilaridad disfrutado gracia al estrambótico humor de estos genios es incalculable, ilustrado aquí con sublimes escenas cómicas como la de la explicación de Groucho a Chico sobre su proceder en la subasta de fincas o la posterior y divertidísima puja, dos indelebles momentos de esta gran pieza cómica, que permanecerán en la memoria de los buenos aficionados a la filosofía marxista.

AlohaCriticon

El verdugo

2007-05-22T09:29:00.000-07:00

Año: 1963

Duración: 87 min.
País: España
Director: Luis García Berlanga
Guión: Rafael Azcona, Luis García Berlanga, Ennio Flaiano
Música: Miguel Asins Arbó
Fotografía: Tonino Delli Colli (B&W)
Reparto: José Isbert, Nino Manfredi, Emma Penella, José Luis López Vázquez, Ángel Álvarez, María Luisa Ponte, María Isbert, Julia Caba Alba
Productora: Coproducción España-Italia; Naga Films (Madrid) / Zabra Films (Roma)
Género: Comedia negra

Sinopsis: José Luis, empleado en una funeraria, está pensando en emigrar a Alemania para convertirse en un buen mecánico. Enamorado de Carmen, hija de Amadeo, un «administrador de justicia» que parece tener soluciones para todo, será sorprendido con ella en la intimidad, por lo que se ven obligados a casarse. Ante la acuciante falta de medios económicos y la necesidad de buscar un piso para fundar el nuevo hogar, Amadeo, que está a punto de jubilarse, convence a José Luis para que solicite la plaza de verdugo que va a dejar vacante, y con la que tendrá derecho a una vivienda. Basta con que José Luis herede la profesión de su suegro. Esa es la única condición que pone el Patronato de la Vivienda. Presionado por la familia, José Luis acepta y, convencido de que jamás ejercerá, se hace verdugo. Mientras no hay ejecuciones, la vida en la casa nueva transcurre plácidamente, pero un día llega el temido telegrama: debe ajusticiar a un condenado en Mallorca. La posibilidad de un indulto es su única esperanza.

Isbert ejecuta y se jubila para delirio del espectador, mientras la flaqueza de las piernas de su yerno se convierte en uno de los mejores alegatos contra la pena de muerte jamás vistos en una pantalla de cine. Cruelmente divertida, paradigma del humor negro español, "El verdugo" es, probablemente, la mejor comedia española de todos los tiempos. Isbert, Azcona y Berlanga en estado puro.

(Pablo Kurt: FILMAFFINITY)

Qu es DominiPublic

2007-04-23T08:01:00.000-07:00

dominipublic.blogspot.com

Es un blog dedicado a la difusión de cine clasico, tanto español como internacional, subiendo y buscando las mejores y necesarias peliculas.
Sin ningun tipo de animo de lucro, solo difusion cultural.

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Muerte de un ciclista - J.A. Bardem (1955)

2007-04-19T18:57:00.000-07:00

Nacionalidad: España.
Guión y Dirección: Juan Antonio Bardem.
Argumento: Luis Fernando de Igoa.
Director de fotografía: Alfredo Fraile.
Música: Isidro B. Maiztegui, José Luis
Montador: Margarita Ochoa.
Productor: Manuel J. Goyanes.
Decorados: Enrique Alarcón.
Formato: 35 milímetros. B/N.
Duración: 88 minutos.
Lugares de rodaje: Madrid.
Estreno: 09-09-1955, Madrid: Gran Vía.
Espectadores: 37.287. Recaudación: 97.879,20 €.
Empresa distribuidora: Suevia Films, Cesáreo González, S.A., y Trionfalcine.
Fecha de autorización: 25 de abril de 1955.

Intérpretes: Lucía Bosè (Mª José), Alberto Closas (Juan), Bruna Corra (Matilde), Carlos Casaravilla (Rafa), Otello Toso (Miguel), Alicia Romay (hermana de Juan), Julia Delgado Caro (Madre de Juan), Manuel Alexandre (Ciclista), Fernando Sancho (Guardia), Matilde Muñoz Sampedro, Mercedes Albert, José Sepúlveda, José Prada, Jacinto San Emeterio, Manuel Arbó, Emilio Alonso, Margarita Espinosa, Rufino Inglés, Antonio Casas, Manuel Guitián, Elisa Méndez, José María Rodríguez, Carmen Castellanos, José María Gavilán, José Navarro, Gracita Montes, Manuel Rojas.

Muerte de un ciclista, que, pese a su voluntad de sortear la censura franquista, recibió la calificación de "gravemente peligrosa", se estrenó fuera de concurso en Cannes, donde obtuvo el premio de la Crítica Internacional del Festival.

La aparente simplicidad argumental del filme hace pensar que su exhibición pudo estar exenta de dificultades. Sin embargo, el simbolismo que encierra, despertó el recelo de las autoridades, y de no haber sido por la colaboración del productor Manuel Goyanes, quien involucró a varias compañías para acometer este proyecto, difícilmente se habría rodado este filme. Bardem ya contaba con Alberto Closas, y la productora italiana Trionfalcine aportó, por su parte, a Lucía Bosè.
La mayor parte del rodaje transcurrió en los estudios Chamartín, en Madrid y en sus alrededores.

Finalizado el festival de Cannes, Bardem participó en las Conversaciones Nacionales Cinematográficas de Salamanca, durante el transcurso de las cuales, se debatió sobre la situación estructural del cine español. Juan Antonio Bardem y Basilio Martín Patiño resumían conjuntamente las conclusiones de aquel congreso subrayando que "cuando el cine de todos los países concentra su interés en los problemas que la realidad plantea cada día, sirviendo así a una esencial misión de testimonio, el cine español continúa cultivando tópicos conocidos. El problema del cine español es que no es ese testigo que nuestro tiempo exige a toda creación humana". Bardem fue aún más lejos en su valoración de tan significativo encuentro cuando declaró que "el cine español es políticamente ineficaz, socialmente falso, intelectualmente ínfimo, estéticamente nulo e industrialmente raquítico".

No hay que olvidar que el cine franquista, aunque cualitativamente era inferior a otras cinematografías nacionales, tenía una clara finalidad propagandística, y los pocos que evitaban deliberada y solapadamente la censura, pasaron a la posteridad como testigos excepcionales de su tiempo que, no sólo se resistieron a asumir como propios los principios del régimen, sino que, además, lo pusieron en entredicho, simplemente mostrando su lado oscuro.

Cinefania

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Obsesión - Ossessione

2007-03-13T06:47:00.000-07:00

Dirección: Luchino Visconti

Guión: Luchino Visconti, Mario Alicata, Giuseppe De Santis
Fotografía: Aldo Tonti, Domenico Scala
Escenografía: Gino Franzi
Vestuario: Maria De Matteis
Música: Giuseppe Rosati
Montaje: Mario Serandrei
Italia, 1943
Duración: 135’
Producción: I.C.I.
Reparto:
Giovanna Bragana: Clara Calamai
Gino Costa: Massimo Girotti
Giuseppe Bragana: Juan De Landa
Anita: Dhia Cristiani
lo Spagnolo: Elio Marcuzzo

Gino Costa es un joven desocupado. Un día, vagabundeando, llega a una casa de campo habitada por el viejo Giuseppe Bardana y su joven esposa Giovanna. Atraída por Gino, Giovanna convence al marido de que lo tome como dependiente en su tienda de ultramarinos. Poco después los dos se convierten en amantes. A oscuras del marido, Gino intenta organizar una fuga con Giovanna, que se niega en medio de un mar de dudas. Decepcionado, parte hacia Ancona y en el camino conoce a un viajero español que le propone continuar la marcha juntos. Pasan los días; el amor por el canto lleva a Giuseppe a Ancona, acompañado de su mujer, para participar en un concurso lírico. Los tres se encuentran y entre los dos jóvenes vuelve a estallar el fuego de la pasión. Pese a la ingenua benevolencia de Giuseppe, que propone a Gino volver a la tienda, el joven y Giovanna comprenden que el único modo de estar juntos es que el viejo Bardana desaparezca. Urden entonces un accidente de carretera, en el cual Giuseppe pierde la vida. Pero la pareja, devorada por la culpa, termina por separarse. Gino se marcha a Ferrara y abandona a Giovanna por una modesta bailarina, Anita, convencido de que aquélla lo había engañado buscando solamente cobrar el seguro por la muerte de su marido. Giovanna, sola y amargada, revela a Gino que está esperando un hijo suyo y lo obliga a volver a ella. La policía los descubre. Los dos cómplices intentan una última y desesperada fuga pero el coche derrapa y se sale violentamente de la calzada. Giovanna muere en el accidente y Gino cae en manos de las fuerzas del orden.

Yunost Maksima - La juventud de Máximo

2007-03-13T06:38:00.000-07:00

Nombre original de la Pelicula: Yunost Maksima
Año de producción: 1934
País: U.R.R.S.
Dirigida por: Grigori Trauberg Kozintsev
Guion: Grigori Trauberg Kozintsev
Musica por: Dmitri Shostakovich
Fotografia: Andrei Moskivin

Primera película de la 'trilogía Máximo' filmada por los cineastas soviéticos Grigori Kozintsev y Leonid Trauberg entre 1935 y 1939. Con banda sonora de Shostakovich, narra la toma de conciencia revolucionaria de un obrero fabril en la Rusia zarista.

Atraco A Las Tres - José María Forqué - 1962

2007-03-11T11:30:00.000-07:00

Año: 1962
Género: Comedia
Nacionalidad: España
Director: José María Forqué
Actores: Manuel Alexandre, Rafaela Aparicio, Manuel Díaz González, Lola Gaos, Agustín González, Alfredo Landa, Katia Loritz, José Luis López Vázquez, Paula Martel, Gracita Morales, José Orjas.
Guión: Vicente Coello, Rafael J. Salvia
Fotografía: Alejandro Ulloa
Música: Adolfo Waitzman
Duración: 89 minutos.

Atraco a las tres es una película española dirigida por José María Forqué en 1962. Es una película mítica del cine español, en la que con suma maestría José María Forqué consigue sortear la censura de la época, presentando una crítica mordaz a la sociedad española del momento, sus carencias, miserias y jerarquización; envuelto en humor negro y con un desenlace dulzón e ingenuo, muy al gusto de la época.

Fernando Galindo, el cajero de un banco, consigue convencer a sus compañeros de trabajo para desvalijar su propia sucursal fingiendo un atraco, tras el despido de don Felipe, su estimado director, y para resarcirse de sus sueldos miserables y malas condiciones laborales. Preparan el atraco minuciosamente durante días al estilo de las películas del cine negro, pero finalmente el plan se frustra porque el día elegido para el simulacro de atraco se presentan unos atracadores de verdad, que habían recibido el soplo de Katia Durán, una vedette de la que Galindo se ha enamorado y a la que había confesado sus intenciones.

Producción

Pedro Masó se había fijado siempre en el cine italiano para realizar sus películas, y decidió utilizar la parodia de Rififi de Julius Dassin titulada Rufufú da el golpe que dirigió Macio Monicelli de para escribir la historia, pensado que la historia podía tener otra «vuelta de tuerca». Tardó en escribir el libreto de 120 páginas 9 días durante la madrugada. Tras hacerlo, para que la historia tuviese sentido, decidió contar con sus colaboradores habituales, Vicente Coello y Rafael J. Salvia. Como director Masó decidió contratar a José María Forqué quien tuvo que incorporarse a última hora, ya que por aquel entonces tenían muchos proyectos.

Para el papel de Castrillo habían querido tanto Forqué como Masó que lo hiciera Manolo Gómez Bur, sin embargo el actor no pudo hacerlo al comprometerse con otra película. Entonces vieron una comedia de Javier Poncela donde actuaba Alfredo Landa y decidieron contratarle. Para el resto de papeles contraron a actores jóvenes como Agustín González, Gracita Morales y Manuel Alexandre, dando el papel más importante a José Luis López Vázquez al ser un actor ya consagrado]].

A la hora de comercializarla, a los distribuidores «no les gustó absolutamente nada, les pareció una broma tonta». Por ello su director se marchó desilusionado a París donde leyó en el ABC que la película había sido un éxito en taquila. Para el cartel de la película se contrató como diseñador a Francisco Fernández Zarza.

Recepción

A pesar de ser un éxito en taquilla en su momento, está mejor valorada en la actualidad que por la crítica de la época. Aunque la crítica del momento la valoró positivamente Florentino Soria diciendo que «la parodia discurre por cauces tan sorprendentes como divertidos sin que falte una crítica condescendiente y cierto leve tono patético que envuelve el disparate», la críticas actuales valoran la película como una película emblemática de la mejor comedia española, el crítico de El País Diego Galán valoró la película como una de las comedias españolas mejor cuadradas debido al alto nivel de sus intérpretes y su modesta propuesta que tuvo fáciles resultados.

Fuentes de informacion: Wikipedia.

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La Torre de los Siete Jorobados - Edgar Neville - 1944

2007-03-11T11:22:00.000-07:00

País: España.
Año: 1944.
Director: Edgar Neville.
Guión: José Santugini y Edgar Neville en base a la novela de Emilio Carrere.
Producción: Luis Judez y Germán López.
Fotografía: Enrique Berreyre.
Intérpretes: Antonio Casal (Basilio Beltrán), Isabel de Pomés (Inés), Julia Lajos (Madre de La Bella Medusa), Guillermo Marín (Doctor Sabatino), Félix de Pomés (Don Robinson de Mantúa), Julia Pachelo (Braulia), Manolita Morán (La Bella Medusa), Antonio Riquelme (Don Zacarías), Emilio Barta, Manuel Miranda, Antonio J. Estrada, Julia García Navas, Luis Latorre, Rosario Royo, Francisco Zabala, Luis Ballester, Natalia Daina, Carmen García, José Arias, José Franco y Antonio Zaballos.
Productora: Producciones Luis Judez; German López España y J. Films.
Duración: 81 minutos.
Música: José Ruíz de Azagra.Cartel
Rodada: En 35 milímetros.
Código de color: Blanco y negro.
Escenografía y decorados: Pierre Schild de “S.E.S.”.
Fecha de estreno en Madrid: 23 de noviembre de 1944, en el cine Capitol.
Permanencia en cartel: 7 días.
Clasificada de 2ª categoría
Constructor de decorados: Francisco Canet Cubel.

La Vida en un Hilo - Edgar Neville - 1945

2007-03-09T17:01:00.000-08:00

Dirección: Edgar Neville

Argumento: Obra teatral homónima de Edgar Neville
Guión: Edgar Neville, Henry Barreyre
Música: José Muñoz Molleda
Montaje: Mariano Pombo
Decorados: Sigfrido Burmann
Intérpretes: María Bru, César de Nueda, Rafael Durán, Enrique Herreros, Josefina de la Torre, Julia Lajos, Juanita Manso, Guillermo Marín, Joaquina Maroto, Conchita Montes, Eloisa Muro, Manuel Ocaña, Julia Pacheco, Manuel París, Joaquín Roa, Alicia Romay, Rosario Royo, María Seco
Distribución: Los Films del Buho
Estreno: 26 de abril de 1945. Madrid

Una joven emprende un viaje después de la muerte de su marido. En el tren coincide con una vieja adivinadora de un circo. Para pasar el rato, la adivinadora le narra a la viuda la vida que llevó con su esposo, un hombre bueno y aburrido, en contraste con la que pudo haber llevado con otro individuo, simpático y atento, que la quería.

Comentario:
Una de las comedias más importantes del cine español de los años cuarenta. Conoció una segunda versión, “Una mujer bajo la lluvia”, dirigida por Gerardo Vera
en 1991.

Cita:
“Allá por el año 1944 se me ocurrió de repente un argumento. Era “la vida en un hilo”. Siempre me ha preocupado la influencia decisiva que tiene la casualidad en nuestras vidas, en cómo cambia el curso de éstas el hecho fortuito de mirar a la derecha en vez de mirar a la izquierda al cruzar una calle, el retrasarse en dos minutos al ir a un sitio, cualquier circunstancia imprevista que le haga a uno conocer o no conocer a una persona. En fin, una variante sobre las pequeñas causas y los grandes efectos”. (Edgar Neville en “Teatro”. Editorial Biblioteca Nueva. Madrid,1955).

“Supone la asunción – no mecánica, sino matizada y españolizada, en el mejor sentido – de la gran comedia americana, la crítica de una sociedad sin mensajes obvios, sin tesis machaconas, sin ese compromiso a flor de piel que caracteriza el peor cine, el llamado, entre comillas, cine social” (Carlos y David Pérez Merinero en “Cine español: algunos materiales para el derribo”, Ed. Cuadernos para el diálogo, 1973).

“Se trata de una alta comedia sobre el tema del azar, con una ingeniosa estructura narrativa, en la que se combinan el presente, el pasado real y el pasado que pudo ser y no fue. Otra de sus virtudes consiste en alinearse decididamente contra la hipocresía y el aburrimiento, que según la película llevan a la muerte por pulmonía doble”. (Fernando Méndez-Leite en “Historia del cine español en 100 películas”. Guía del Ocio. Madrid, 1975).

“Una de las obras fundamentales de Edgar Neville es “La vida en un hilo”. Cuenta la historia de lo que fue y de lo que pudo ser a causa de una mala jugada del destino que, en contra de lo que suponemos, nunca se nos presenta de forma trascendental, sino oculto bajo el juego casi imperceptible de las circunstancias. Lejos de filosofar a la manera de no pocos grandes maestros de la comedia cinematográfica, Edgar
Neville hace y deshace el enredo de su película cara al público, con la elegancia de un poeta y con la sabiduría de un malabarista. “La vida en un hilo” es, en su género, una obra excepcional”. (Emilio Sanz de Soto en “Cine español 1896-1983″. Dirección General de Cinematografía. Madrid, 1984).

“Frente al habitual pintoresquismo de otras de sus más celebradas producciones donde se hace eco de un apasionado costumbrismo, próximo al más puro sainete, con “La vida en un hilo”, Neville se aproxima a las circunstancias, fastuosidades y miserias del momento en un claro intento por hacer suyo un nuevo estilo de narraciones populares y castizas. En cierto modo, sin dejar de ser algo así como un sainete encubierto y modernizado, la película tiende a situarse en el género de la alta comedia al que Neville llega pleno de sutileza e ingenio (…) Logra el realizador una obra hábilmente resuelta, en la que se contienen los elementos esenciales que dan consistencia al género. Es decir, el triángulo amoroso, el enredo de situaciones, las acciones casuales, el entorno no exento de sobrio refinamiento, etc. Pero a un mismo tiempo, el film alcanza una dimensión crítica de extraordinaria significación social”. (Enrique C. García Fernández en “Historia ilustrada del cine español”. Editorial Planeta. Barcelona, 1985).

Premios: 1945; Círculo de Escritores Cinematográficos, Mejor Guión, Edgar Neville

Fuentes de información: Cinemateca nacional, Wikipedia.

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SURCOS (1951)

2007-03-07T09:55:00.000-08:00

Director: José Antonio Nieves Conde.
Intérpretes: Luis Peña, María Asquerino, Francisco Arenzana, Félix Dafauce.
País: España
Año: 1951

Una familia de agricultores, los Pérez, dejan el campo para emigrar a Madrid.
En la gran ciudad sus diferentes miembros intentarán mejorar sus condiciones de vida.

Una cruda y hasta virulenta mirada al éxodo rural de los años 50 es la que establece su director en este relato que muestra las vivencias de una familia de campesinos en un valioso ejemplo de neorrealismo a la española.
La película, planteada de forma coral, examina profundamente el enorme trasvase de población sufrido en ese período del campo a la urbe con sus consecuentes problemas: el hacinamiento en barriadas o la dificultad de adaptación a un nuevo puesto laboral y a la propia vida urbana.

Todas las esperanzas que en el camino se han hecho colisionan fuertemente con la brusca realidad, una realidad social repleta de vividores y manipuladores, egoísmos en busca de placer y dinero que obstaculizan la contínua lucha que se establece no ya por un futuro mejor, sino por el más simple instinto animal de supervivencia.

Un film valiente que topó con varios problemas con la censura, a pesar de ser declarado de interés general (con ese rango conseguía una subvención del 50% de su coste) que es narrado con sensibilidad y talento por Nieves Conde.

Grandes interpretaciones para una obra maestra que supone todo un estupendo tratado sociológico y económico de la época.

Disponible gracias al blog amigo:
Naranjas de Hiroshima

José Antonio Nieves Conde (* Segovia, 22 de diciembre de 1911;† Madrid, 14 de septiembre de 2006) cineasta y periodista español, director de largometrajes como 'Surcos', 'Angustia' y 'Balarrasa'.

Al terminar la guerra volvió a Segovia donde trabajó en prensa y radio, hasta que regresó a Madrid para convertirse en crítico de cine del diario 'Pueblo' y entre 1939 y 1942 fue redactor de la revista de cine 'Primer Plano', donde era responsable de la sección 'Fuera de cuadro'.

Amigo de Fernández-Cuenca, Gómez Mesa y Rafael Gil, fue con este último con quien se inició profesionalmente en el cine en 1941, como ayudante de dirección en cinco de sus películas hasta 1946, con títulos como 'Viaje sin destino' y 'Tierra sedienta'.

Desde 1942 en que abandonó 'Primer Plano' y 'Pueblo', al parecer por desavenencias con la dirección, se dedicó profesionalmente al cine.

Dirigió su primera película, 'Senda ignorada', en 1946, una historia de gángsters situada en Estados Unidos, a la que siguió 'Angustia' (1947), con Rafael Bardem y Julia Caba Alba, también policiaca y declarada de "interés nacional", y 'Llegada la noche' (1948).

En 1950 dirigiría 'Balarrasa', con guión de Vicente Escrivá y con actores como María Rosa Salgado, Maruchi Fresno, Luis Prendes y José Bódalo, que supuso su primer gran éxito popular y económico, y fue también catalogada de interés nacional; y 'Jack el negro' (1950), codirigida con Julien Duvivier.

Nieves Conde llegó a la cumbre de su carrera como cineasta en 1951, tras rodar 'Surcos', un filme, con guión de Natividad Zaro y Gonzalo Torrente Ballester a partir de un argumento de Eugenio Montes, que está considerado como una de las grandes películas de cine español, con Luis Peña y María Asquerino como protagonistas.

'Surcos' causó polémica en su momento y fue atacada por la Iglesia al rozar temas tabú de la época como la miseria, el estraperlo y el éxodo rural, por lo que tuvo que cambiar el final antes del estreno. Con ella consiguió el segundo Premio Nacional del Sindicato del Espectáculo y el primer premio del Círculo de Escritores Cinematográficos, pero no alcanzó el éxito comercial que merecía.

Wikipedia

Jean Vigo

2007-03-07T09:16:00.000-08:00

Jean Vigo nació en París el 24 de abril de 1905 y murió también en París el 5 de octubre de 1934. Hijo de un periodista y militante anarquista catalán -Miguel Almereyda; en realidad Eugène-Bonaventure de Vigo- muerto ahorcado en una prisión francesa en 1917. En su infancia y adolescencia estuvo en un internado de Milla y quizás por las malas condiciones de vida que tuvo allí, contrajo tuberculosis en su juventud, por lo que se instaló en Niza. En esta ciudad fue ayudante en un estudio fotográfico y posteriormente parte muy activa del cineclub de Niza, lo que le procuró contacto con experimentadores cinematográficos de todo el mundo.

En 1929 Jean Vigo invitó a Boris Kaufman (hermano de Dziga Vertov) para trabajar con él y realizaron la obra: “Sobre Niza” ( À Propos de Nice -1930-). Puede definirse como una visión sobre una sociedad superficial en proceso de putrefacción. En esta corto mudo, y por regla general, cuando trabajaban juntos, Kaufman filmaba y Vigo dirigía. Con frecuencia Vigo llevaba a Kaufman a pasear en silla de ruedas con una cámara entre las piernas y tapada por una manta (la silla de ruedas pasaba desapercibida en una ciudad como Niza). Así eran capaces de filmar a las personas sin que se diesen cuenta, que era lo que ambos buscaban porque eran partidarios de la teoría kino-pravda (cine-verdad).

À Propos de Nice

Luego realizó el documental sobre el campeón de natación Taris.

Zero de condutei, 1933, es su primer largo y relata el conflicto entre estudiantes y profesores en un internado. Este film fue censurado por considerarlo sedicioso.

El último film que hizo fue la historia de amor LÀtalante. Al poco de realizarla murio con 29 años.

Secuencia final. Michel Simon va chercher la patrone. No disponible entera, por ahora.

A pesar de su escasa filmografía Jean Vigo es considerado uno de los mejores cineastas franceses.

Jean Vigo y el documental social

Pero yo querría hablaros de un cine social más concreto, y del que me hallo más próximo: del documental social, o dicho con más exactitud, del punto de vista documentado. En este terreno a investigar, afirmo que el tomavistas es rey o al menos presidente de la República. Ignoro si el resultado ser una obra de arte, pero de lo que sí estoy seguro es de que será cine. Cine, en ese sentido de que ningún arte, ninguna ciencia, puede desempeñar su función.

El señor que hace documentales sociales es ese tipo suficientemente flaco como para introducirse por el agujero de una cerradura rumana y capaz de filmar al salir de la cama al príncipe Carol en camisón, admitiendo que fuese un espectáculo digno de interés. El señor que hace documental social es este buen hombre lo bastante diminuto como para apostarse bajo la silla del croupier, gran dios del Casino de Montecarlo, lo que, podéis creerme, no es nada fácil.

Este documental social se diferencia del documental sin más y de los noticiarios semanales de actualidades por el punto de vista defendido inequívocamente por el autor. Este documental exige que se tome postura, porque pone los puntos sobre las íes. Si no implica a un artista, por lo menos implica a un hombre. Una cosa vale la otra. El tomavistas estará dirigido a lo que debe ser considerado como un documento y que, a la hora del montaje, ser interpretado como tal documento.

Kinoki

Donde Acaban los Caminos

2007-03-07T09:02:00.000-08:00

Año: 2004
País: Guatemala
Director: Carlos García Graz.
Intérpretes: Giacomo Buonafina y Andrea Rivera.
Música: Jorge e Igor Sarmientos.
Basada en la obra del mismo nombre, escrita por Mario Monteforte Toledo, Donde Acaban los Caminos nos regresa a la “Guatemala de antes” para contar la historia de un doctor que llega a un pueblo alejado de la ciudad para ejercer su profesión. Allí la división entre las razas ladinas e indigenas estaba muy marcada, no importandole al doctor que atendía a cualquier persona en su clínica. Así mismo ayuda a curar una epidemia de Tifus en una aldea indigena ubicada en las montañas convenciendo a los habitantes de quemar sus casas para evitar la expansión de la misma. En dicha aldea conoce a Maria, una joven indígena de 17 años de quien se enamora. El romance trae problemas para el doctor cuando los rumores de su relación inician. También María se ve envuelta en problemas al ser rechazada junto a su familia en su aldea indígena. Estos problemas alejan a los protagonistas regresándolos a su entorno. Sin embargo, fruto de ese amor surge un hijo que María niega a el Doctor para evitar que sigan juntos. El final muestra como en dicho hijo se fusionan los ladinos con indigenas, aunque el rechazo de sus sociedades deja a María en total soledad, mientras que el doctor rehace su vida con otra señorita de la alta sociedad del pueblo.

Vertov - Kinoapparatom - Kinoglaz

2007-02-21T15:26:00.000-08:00

Celovek´s Kinoapparatom (El hombre de la cámara)

El hombre de la cámara de cine está compuesta de cientos de escenas de la actividad cotidiana de San Petersburgo, la mayoría tomas callejeras pero también del trabajo y vida doméstica, unidas en una zaga donde la ciudad moderna y la cámara del cine comparten los papeles protagonistas. Trozos de la realidad tomados de improvisto (Vertov los llamaba kino-fraza, “frases fílmicas”) que alternándose unos a otros en una rápida sucesión trazan una especie de alegoría real que identifica el vértigo de la modernidad urbana y sus contrastes sociales y económicos, con el proceso mismo de la documentación y edición cinematográfica. Obsesionado con la movilidad y velocidad, y heredero de la fascinación tecnológica de los futuristas y constructivitas, Vertov puso en evidencia la relación entre el mecanismo del cine, la nueva intensidad de la productividad industrial y el ritmo enloquecedor que automóviles, trenes y tranvías impusieron a hombres y mujeres en el siglo XX.

Está es la última versión que se ha editado, con la banda sonora a cargo de The Cinematic Orchestra.

Kinoglaz - Kinoeye - Kino-ojo

Este documental se centra alrededor de las actividades de los jóvenes en una aldea del soviet. Estos niños y niñas están constantemente ocupados, pegando carteles de propaganda en las paredes, incitando a todos para que "compren en la cooperativa" ayudando a viudas pobres....

Las partes experimentales de la película, proyectadas hacia atrás, ofrecen la matanza de un toro (empieza cuando lo matan y acaba cuando pasta libre en el campo) y de una hornada del pan. Que en la época que fueron filmadas debieron causar onda impresión.

No tiene acceso directo a blogs, para verla pincha aqui:
http://video.google.es/videoplay?docid=8007794942474987544&q=Kinoglaz

Las dos estan subidos por esa grán página amiga del cine en dominio público: www.cinematografo.com.br

Serguéi Eisenstein

2007-02-20T16:27:00.000-08:00

Cuando contaba 25 años, Eisenstein puso fin a su carrera teatral, al ver la artificiosidad del resultado en su montaje de Máscaras de gas, donde, según sus propias palabras "el carro se rompió en pedazos y el conductor se cayó de cabeza en el cine". Esto hizo que dejara el teatro y se centrara en el medio que le dio prestigio internacional, el cine.

Eisenstein fue un pionero en el uso de la edición en el cine. Para Eisenstein la edición no era un simple método utilizado para enlazar escenas, sino un medio capaz de manipular las emociones de su audiencia. Luego de una larga investigación en el tema, Eisenstein desarrolló lo que llamaría montaje. Sus publicaciones al respecto serían luego de gran influencia para varios directores de Hollywood.

Eisenstein no utilizaba actores profesionales para sus películas. Sus narrativas evitaban el individualismo y en cambio eran dirigidas a cuestiones más amplias de la sociedad, especialmente a conflictos de clases. Sus actores eran por lo usual personas sin entrenamiento en campo dramático tomadas de ámbitos sociales adecuados para cada papel.

Su principal mensaje político se basó en la organización, la participación y la lucha: "Únanse, griten y peleen, que en cada una y uno de vosotros existe el poder de sus actos, vivan conscientes del poder que hace la unión".

Sus ideales comunistas lo condujeron en varias ocasiones a conflictos con oficiales del régimen de Iósif Stalin. Stalin era consciente del poder del cine como medio de propaganda, y consideró a Eisenstein como una figura controvertida. Su popularidad se profundizó más tarde con el éxito de sus películas, entre ellas El acorazado Potemkin (1925), considerada la mejor película de todos los tiempos.

Wikipedia

El acorazado Potemkin

El acorazado Potemkin (Броненосец Потемкин, o Bronenosets Potyomkin, en ruso), es una película dirigida por el cineasta ruso Serguéi Eisenstein. Es una de las grandes películas de la historia del cine.

Con Subt. en castellano.

El genio de hacer esta obra de arte fue el director Eisenstein a quién se le encargó en 1925 para elevar el espíritu de la revolución social creada en 1917 por la revolución bolchevique.

El acorazado Potemkin es una obra que significa un nuevo aporte a la narración cinematográfica en términos de lenguaje visual. Tras la genialidad de Griffith en el trabajo de escala de planos, Einsenstein observa otra función que puede realizar la cámara, introduciendo inclinaciones de cámara que dan como resultado un énfasis o una sensación distinta en lo que se relata.

Por otro lado, se trata de una película que refleja el espíritu de la época en que es realizada, donde todo elemento es utilizado como propaganda para la legitimación ideológica de una revolución naciente. En este sentido es valorable la exaltación del hombre común, sobre todo del oprimido que decide romper sus cadenas.

Tomado de Wikipedia

Alexander Nevsky (1938)

This Soviet film portrays the struggle of Prince Alexander Nevsky and the citizens of Novgorod against invasion by the knights of the Crusading Order of the Teutonic Knights, culminating in the epic battle on the ice of Lake Chudskoe (Peipius). Prince Alexander Nevsky was later canonized by the Russian Orthodox Church and became a Russian national hero. This film was produced on the eve of World War II and alludes to the threat of Nazi Germany (note the swastikas on the Catholic bishop's mitre). Its showing was suppressed during the period of German-Soviet Non-Agression pact (9/39 to 6/41), but revived after the Nazi invasion. It was directed by Sergei Eisenstein with Nikolai Cherkasov in the title role.

Oktyabr - October

Con Subt. en castellano.

Ivan the Terrible, Part 1 (1944)

Ivan the Terrible, Part 2 (1946)

La Huelga

Kurosawa

2007-02-20T15:57:00.001-08:00

Colección de películas de Kurosawa en Dominio Publico, libre de derechos. Eso sí, en japones con subtítulos en ingles. Es lo que hay.

Rashomon (1950)

Aka "In the Woods" and "Rashômon". "A heinous crime and its aftermath are recalled from differing points of view." Directed by Akira Kurosawa, written by Ryunosuke Akutagawa and Akira Kurosaw, 1950. English subtitles. Film in public domain available at archive.org

Sugata Sanshiro (1943)

This Akira Kurosawa film depicts the early life of one of the pioneers in development of the martial art known as Judo in the late 19th ... todos » century. Judo one of the first of the Asian martial arts to be introduced in the west. The film also offers fascinating glimpses of Japan in the throes of modernization and westernization.

Tierra y Libertad - Land and Freedom

2007-02-20T15:06:00.000-08:00

Bueno, se colo otra peli con derechos. Pero esta en GoogleVideo, y que le vamos a hacer, mientras este tenemos todo el derecho del mundo a disfrutarla.
Esta en version original sin subtitulos. Casi todo transcurre en españa, pero si no entiendes ni papa de ingles te perderas cosas importantes.

Spanish and English, downloading a subtitles program a good idea. Land and Freedom, British director Ken Loach's film about the Spanish Civil War of 1936-39, says something quite different. It says that the present state of affairs was not inevitable, and that the working class is capable of uplifting and liberating itself. It says further that the cause of the failure of the Soviet Union lay not with socialism, but Stalinism.

Detour - Edgard G. Ulmer (1945)

2007-02-09T04:37:00.000-08:00

Runtime: 67 min
Country: USA
Language: English
Color: Black and White
Sound Mix: Mono (Western Electric Sound System)
Certification: Australia:M (DVD rating) / USA:Approved (PCA #11048) / Australia:G

Great Drama to share download and save for your personal collection...Check out our daily podcast for more retro entertainment with news, commentary, New York theater reviews and political analysis Monday-Friday.

Una de nuestras peliculas favoritas de cine negro de SerieB, por desgracia como casi todas, solo en ingles, sin subtitulos.

Los Ultimos de Filipinas

2007-02-08T20:54:00.000-08:00

1945 (España)
Géneros: Bélico, Cine español
Actores: Armando Calvo, Fernando Rey, Jose Nieto
Director: Antonio Roman
Música: Manuel Parada
Escrita por: Juan de Pedro, Antonio Roman
Fotografía: Enrique Guerner
Prod: CEA (España) Alhambra Films España)

Argumento: Al advertir que los tagalos de su distrito planean un insurrección, el comandante del destacamento español en Baler, Filipinas, da la orden a sus tropas de atrincherarse en la iglesia del pueblo. Durante esta reclusión que se prolonga casi un año, se van sucediendo episodios que manifiestan la tenacidad y el heroísmo de los españoles.

Lista de Espera

2007-02-08T20:31:00.000-08:00

Dirigida por Juan Carlos Tabío, con Vladimir Cruz, Thaimi Alvariño, Jorge Perugorría, Saturnino García, Alina Rodríguez, Antonio Valero.

España-Cuba-Mexico. 2000

Lista de espera nos sitúa en una estación de ómnibus en el medio de la nada. O mejor, en el centro de una encrucijada. A un costado el mar Caribe, con las aguas azules y las arenas blancas que año tras año convocan a millares de turistas. A su lado, esa peculiar versión de la pobreza, o de la escasez extrema, que campea en Cuba: muy de tanto en tanto pasa una guagua (así les dicen a los autobuses) por la estación; y las pocas que pasan vienen completas o con un solo asiento libre, lo que desata feroces pujas entre los que ansían regresar a casa. La gente, cuyo destino es La Habana o Santiago de Cuba, se acumula en la terminal. Y espera. La terminal tiene su propia guagua –una añosa cafetera importada de la "órbita soviética"– pero está fundida. O lo que es igual: carece de una pieza que los checoslovacos ya no envían más.

El punto de partida del quinto largometraje de Juan Carlos Tabío (codirector de Fresa y chocolate junto al también cubano Tomás Gutiérrez Alea) es sumamente interesante. Recrea uno de los típicos calvarios de la Cuba actual: en las terminales reales las personas se agolpan kafkianamente para soportar largas esperas como esta. El film también se apoya en una ecuación fatal: la escasez de medios frente a necesidades múltiples provoca conflictos entre los seres humanos. Y la necesidad de transportarse no es moco de pavo, sino la condición para comer y descansar en forma (en una mesa y una cama propias, las de casa). Como si percibiera que esa dignidad esencial es lo que la larga espera pone en jaque, alguien grita a poco de iniciado el film: "¿Este es un país socialista o capitalista?" De algún modo, todo lo que resta de Lista de espera intentará dar con la respuesta. En este sentido, el gran mérito de la película –que es bastante despareja y larga– es que se interroga con mucha franqueza. Más aun: Tabío parece haber notado que, al final de cuentas, no es tan sencillo responder esa pregunta. Pero eso no lo priva de formularse otras preguntas en el camino, ni de tomar posición. Es decir, de aportar respuestas, pequeñas y/o parciales, pero respuestas al fin. Hay que aclarar ya mismo que esta impresión surge de la totalidad del film, y muy especialmente de su tramo postrero (ulterior a una vigorosa vuelta de tuerca) y no de cada una de sus partes sueltas, algunas de las cuales están llamadas a irritar, o cuanto menos a fatigar al espectador. Vamos, lo que estoy diciendo es que esta no es una obra maestra sino una obra irregular, pero valiente y fresca.

No esta en "Dominio Público", pero alguien la colgo en GoogleVideo.Mientras dure...

Fresa y Chocolate

2007-02-08T20:25:00.000-08:00

Introducción

Es una película basada en el cuento del escritor Senel Paz quien dice "cuando en 1990 escribí el relato El Lobo, el bosque y el hombre nuevo, no podía sospechar que la historia y los personajes emprendían una larga travesía por distintos lenguajes artísticos: cine, teatro y artes plásticas". Inicialmente, el relato comenzó a conocerse por transmisión oral a través de sus lecturas y las de otros compañeros, y en grabaciones que circularon en cassettes por todo el país. Hasta que el texto fue editado por el Ministerio de Cultura de Cuba con una tirada reducida y una edición modesta pero muy bella, con ilustraciones de Zaida del Río. Luego apareció en la revista Orión, de la Unión Nacional de Escritores y Artistas de Cuba (UNRAC), y siguió circulando en fotocopias. Mucha gente piensa que este relato es el documento más fotocopiado de la historia cubana. Más tarde vino la película Fresa y Chocolate filmada por Tomas Gutiérrez Alea y Juan Carlos Tabio, para quienes el mismo Senel Paz escribió el guión.

Sinopsis Fresa y Chocolate toma lugar en La Havana, CUBA durante 1970. La película se centra en el papel de David, un estudiante universitario diligente, correcto pero homofóbico para quien sus conceptos de que es bueno y que es malo se ponen en dilema al hacerse amigo de Diego (Jorge Perugorria), un artista homosexual. A pesar que se desarrolla en una sociedad totalmente machista, la película se centra en la relación entre estos dos hombres y cómo lo que antes fue irrespeto y antagonismo cambia a una relación de admiración y tolerancia. David es un revolucionario y también un estudiante de la universidad en la Havana. Un día al comer helado de chocolate es interrumpido por Diego, un coquetón artista homosexual de 40 años, quien prefiere helado de fresa. Diego corteja a David en una apuesta, y lo persuade a venir a su apartamento con el pretexto de buscar una fotos que le tomó a David cuando salió como Torvald en la reproducción de la Casa de muñecas por Ibsen. En el apartamento mientras busca por las fotos Diego cautiva a David ya que tiene literatura extranjera la cual es prohibida en Cuba. También tiene muchas pinturas religiosas ya que es muy religioso. Al enterarse de que Diego planea hacer una exhibición de arte con la ayuda de una embajada extranjera David se da a la fuga ya que piensa que tal acción es contra-revolucionaria. David va en busca de su amigo revolucionario Miguel y le cuenta lo acontecido en casa de Diego. Miguel es un hombre prejuicioso y según él la revolución no fue peleada para los homosexuales. Por lo tanto, Miguel quiere comprometer a Diego, y le sugiere a David que visite más a menudo a Diego para obtener más información y evidencias que lo impliquen. Quiere saber de dónde obtiene los libros prohibidos y también cómo agarra el wiskey del mercado negro. Lo más importante de estas visitas es obtener evidencia de una supuesta conección ilicita con una embajada. Sin embargo estas visitas transforman la relación de Diego y David puesto que inesperadamente se hacen amigos. Al conocerse más forman una unión que les ayuda a poner de lado sus diferencias. Pero no es lo suficientemente fuerte ya que al final la política es más fuerte y Diego tiene que dejar la isla de Cuba.

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La Noche de los Lápices

2007-02-08T20:13:00.000-08:00

La noche de los lápices, de Héctor Olivera, es una película que recrea un suceso real ocurrido durante la dictadura autodenominada Proceso de Reorganización Nacional en Argentina: en septiembre de 1976, durante los primeros meses de la dictadura, siete adolescentes de la ciudad de La Plata fueron secuestrados, torturados y asesinados por reclamar el boleto estudiantil, una reducción en el precio de los billetes de transporte para estudiantes.

La película narra la historia desde el comienzo de las protestas estudiantiles hasta 1980, cuando el único sobreviviente fue liberado. La primera parte desarrolla la actividad de los adolescentes, concluyendo con la razzia en la que fueron secuestrados y encarcelados; la segunda narra las circunstancias de la prisión, la tortura y muerte de los jóvenes, desarrollando paralelamente la situación de los encarcelados, de sus familias y de sus captores.

Centrado más en el desarrollo psicológico de los personajes que en el contexto económico y social, la película narra la historia de una manera que podría desarrollarse en cualquier régimen autoritario, concentrándose en la situación de los seres humanos bajo extrema presión. Fue nominada al Premio de Oro del Festival Internacional de Cine de Moscú en 1987.

Reproducir en: Googlevideo

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Paradise Now

2007-02-08T20:02:00.000-08:00

Dirección: Hany Abu-Assad.
Países: Palestina, Holanda, Francia y Alemania.
Año: 2005.
Duración: 90 min.
Género: Drama.
Interpretación: Kais Nashef (Saïd), Ali Suliman (Khaled), Lubna Azabal (Suha), Amer Hlehel (Jamal), Hiam Abbass (Madre de Saïd), Ashraf Barhoum (Abu-Karem), Mohammad Bustami (Abu-Salim), Mohammad Kosa (Fotógrafo), Ahmad Fares, Oliver Meidinger (Abu-Shabaab).
Guión: Hany Abu-Assad y Bero Beyer.
Producción: Bero Beyer, Roman Paul, Hengameh Panahi, Amir Harel y Gerhard Meixner.
Música: Tina Sumedi.
Fotografía: Antoine Heberlé.
Montaje: Sander Vos.
Diseño de producción: Olivier Meidinger.
Vestuario: Walid Maw'ed.
Estreno en España: 30 Septiembre 2005.

SINOPSIS

Khaled (Ali Suliman) y Saïd (Kais Nashef) son dos jóvenes palestinos, amigos desde la infancia, a los que reclutan para llevar a cabo un atentado suicida en Tel Aviv. Después de una última noche con sus respectivas familias, de las que no les está permitido despedirse, parten hacia la frontera con explosivos pe-gados al cuerpo. Sin embargo, nada sale como estaba planeado y una serie de imprevistos les obliga a separarse. Solos, no les queda más remedio que enfrentarse a su destino y a sus convicciones... Esta pelí-cula, rodada íntegramente en Nablus, propone una interesante visión de la vida cotidiana de personas en circunstancias desesperadas. Ex-plora las legítimas razones de la resistencia a la ocupación sin justifi-car en ningún momento la pérdida de vidas humanas.

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Vampyr - Carl T. Dreyer (1932)

2007-02-06T22:49:00.000-08:00

A classic B&W tale of the strange and the supernatural. Directed by Carl Dreyer. public domain.

Maid Marian Free Media
1 h 13 min 33 s - 16-mar-2006
www.myspace.com

Las Hurdes - Luis Buñuel

2007-02-06T22:02:00.000-08:00

A surrealistic documentary portrait of the region of Las Hurdes, a remote region of Spain where civilisation has barely developed, showing how the local peasants try to survive without even the most basic utilities and skills." Directed by Luis Buñuel. Film in Public Domain.

L'âge D'or - La Edad de Oro - Luis Buñuel

2007-02-06T22:00:00.000-08:00

Written by Luis Buñuel and Salvador Dali, based on a novel of Marquis de Sade - uncredited - and directed by Buñuel. "A surrealist masterpiece", a must see avant-garde film. Film in Public Domain. Version with Spanish subtitles

http://video.google.es/videoplay?docid=-496864221831234875

The General - Buster Keaton

2007-02-06T21:57:00.000-08:00

Union solders have stolen The General, a Confederate train manned by Johnnie Gray, who was unable to enlist in the Confederate army all » because he is needed as an engineer. The Union plans to use the train to supply its soldiers in a sneak attack against the Confederates. But now it's up to Gray and his love, Annabelle Lee, to reclaim The General, recross enemy lines, and warn the Confederates." Directed by Buster Keaton and Clyde Bruckman, 1927. Film in public domain available at Archive.org and Public Domain Movies.

http://video.google.es/videoplay?docid=341173866054831386

Dr. Jekyll and Mr. Hyde - J.S. Robertson (1920)

2007-02-06T21:54:00.000-08:00

Dr. Henry Jekyll experiments with scientific means of revealing the hidden, dark side of man and releases a murderer from within himself. Film based on the classic of Robert Louis Stevenson's "The Strange Case of Dr Jekyll and Mr Hyde". This is a 1920 version, directed by John S. Robertson. It's in public domain and available at Public Domain Torrents.

http://video.google.es/videoplay?docid=6267850461291367895

The Man Who Knew Too Much - Alfred Hitchcock (1934)

2007-02-06T21:51:00.000-08:00

While travelling in Switzerland, the child of a well-off couple is kidnapped. She is held to ensure that her father does not reveal what he knows about a planned assassination.

Since they can't talk to the authorities, the parents plan to begin the search for their daughter on their own.

This is the original, British-made movie from 1934 and is now in the public domain. After coming to the United States, Alfred Hitchcock produced a remake of this movie in 1956 starring James (Jimmy) Stewart and Doris Day. The remake remains under copyright.

M - Eine Stadt sucht einen Moerder - Fritz Lang (1931)

2007-02-06T21:41:00.000-08:00

A superb German film directed by the master Fritz Lang, with a sublime acting of Peter Lorre. The film made in 1931 is available for download at http://www.archive.org/details/M_

Nosferatu - F.W. Murnau (1922)

2007-02-06T21:38:00.000-08:00

This classic silent film starring Max Schreck was directed by F.W. Murnau. B&W public domain film.

Maid Marian Free Media
1 h 20 min 8 s - 15-mar-2006
www.myspace.com

Destiny (Der Müde Tod) - Fritz Lang 1921

2007-02-06T21:35:00.000-08:00

"As a young couple stops and rests in a small village inn, the man is abducted by Death and is sequestered behind a huge doorless, windowless wall. The woman finds a mystic entrance and is met by Death, who tells her three separate stories set in exotic locales, all involving circumstances similar to hers." A beautiful expressionist film directed by Fritz Lang, 1921. This film is in Public Domain

Decla-Bioscope Production
1 h 39 min 3 s - 07-may-2006
www.cinematografo.com.br

Freaks

2007-02-06T21:29:00.000-08:00

Metro-Goldwyn-Mayer
1 h 4 min
1932
Directed by Tod Browning
Also Known as, "Forbidden Love", "The Monster Show", "Nature's Mistakes", Is in Public Domain